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Jacque Lecoq

DATOS GENERALES

Para poder entender de las técnicas de Lecoq, es importante conocer un poco sobre quién fue éste gran personaje en el mundo actoral que dejó grandes marcas indelebles en el tiempo y métodos de trabajos que hoy día siguen siendo usados por su efectividad y eficacia, logrando sacar lo mejor de quienes aman el mundo de las tablas. 

Jacques Lecoq nacido en la ciudad del amor, coronada por la torre Eiffel y portadora de uno de los museos más famosos del mundo, París – Francia el 15 de Diciembre del año 1921, incursionó en el ambiente actoral dedicándose a la mímica que le dio la base, el conocimiento y las herramientas necesarias para posteriormente convertirse en un gran maestro de la actuación francesa. 

Aunque por su sangre corría la mímica, se dedicó por un gran tiempo al mundo educativo incursionando como profesor de educación física y deporte siendo una de las profesiones más practicadas por en su vida durante muchos años, ya cansado de enseñar sobre deportes y ejercicios realizó un giro muy notorio al empezar con lo que amaba. 

Ya empapado en su totalidad en el mundo actoral que le ofreció la oportunidad de pertenecer a la compañía Comediens De Grenoble en esta aprendió lo faltante y pulió lo ya tenía siendo Jaques Copeau la mayor influencia y quien dejó grandes huellas en el alma de Jacques Lecoq. 

Pasado el tiempo y con el amor por el arte más adherido a su ADN, se despertó el interés por la comedia en el país vecino, Italia. En donde estableció residencia por tan solo ocho años e hizo gran amistas con Dario Fo quien sería clave durante su evolución artística. 

Ya siendo parte de grandes obras y grupos teatrales estos lo sumergieron en el mundo de la mímica sin saber que sería su principal fuerte y del cual sacaría el mayor provecho en toda su vida y carrera artística, que le daría el impulso al reconocimiento y la creación de sus técnicas que perdurarían a través de los años. 

Creación de su propio estilo

Ya siendo reconocido y bajo su tutela una gran cantidad de personas Lecoq creó su propio estilo que impartió con todos sus participantes de manera que estos se entusiasmaran a buscar y estudiar nuevos métodos para la actuación que lograsen adaptarse a su manera individual para su mejor comodidad. 

Estos estilos que fueron aceptados y aplicados para con sus alumnos, tuvieron resultados positivos tanto en la calidad actoral de las obras como el entendimiento del público de lo que estaba sucediendo sobre el escenario, usando métodos basados en la prioridad de la actuación y el entendimiento corporal fueron las bases para la creación de su nueva metodología de aprendizaje. 

Se hizo más fuerte como profesor y éste ligó dos herramientas que la vida le había puesto en su camino para un mejor provecho, la actuación y la educación, al fusionarse éstas dos bases bien adheridas en Jaques nacieron las famosas Técnicas Lecoq.

La técnica lecoq

Dentro de la formación de cualquier actor o actriz que corra por su sangre el mundo de los escenarios, resulta muy fundamental e importante que éstas famosas técnicas sean correctamente interpretadas y entendidas, para todo aprendiz es necesario e indispensable crean buenas bases sobre las cuales se edificará su carrera artística y como principal material se tienen las muy resaltantes y reconocidas técnicas. 

Es de gran utilidad para los nuevos profesores actorales, por dos puntos de vistas respectivos, uno de ellos es el fácil entendimiento de los tres simples pasos a enseñar, y el segundo punto es la fácil explicación y aplicación de los mismos. 

Se tienen tres técnicas bien especificadas y descritas, la primera La máscara neutra, la segunda El Clown y por último y no menos importante, la tercera La comedia della’arte 

Son nombres muy significativos, pero el cumplimiento de cada una de las técnicas en su orden estricto y específico, ofrecen en un porcentaje elevado el éxito casi total de quienes las aplican y las fundamentan en su vida profesional actoral. 

Describiendo cada una de las técnicas se empieza por La Máscara Neutra Lecoq la hace conocer como la facciones que una persona debe tener en modo completamente neutro para separar la realidad de su vida e inmiscuirse en el mundo actoral, es el punto central de su pedagogía, cuando el alumno logre sentir la neutralidad total, su cuerpo y su mente estarán listo para la actuación. 

El segundo punto a seguir es El Clown, definido como la búsqueda profunda que el aprendiz actoral debe hacer a su yo interno, pues Lecoq establece que todo actor lleva un payaso actoral interno siendo la maquina más potencial para hacerle llegar al público la verdadera esencia de lo que se quiere, las mímicas, las señas, las carismas y la libertad de expresión se encuentran en el Clown. 

Por último se tiene La commedia dell’arte se basa en el teatro contemporáneo, en donde los grandes personajes han dejado fijos los métodos actorales aprendidos durante mucho tiempo y la identidad italiana que ello conlleva, personajes de antaño que han minimizado y  resumido las expresiones, mímicas, herramientas y gesticulaciones propias del teatro italiano dejando su huella imborrable. 

De esta última nace la importancia del patriotismo nacional, la manera en como el italiano ha dejado durante el tiempo las dinámicas escénicas, que se siguen aplicando en la actualidad a través de éstas técnicas importantes. 

En la actualidad

Pasaran los años y este reconocible personaje dejo tan fundamentado y establecido su técnicas apostando por dar relevo a su metodología en la actuación, priorizando que toda persona deseosa de actuar debe llevar su vocación en la sangre, las ganas y el cumplimiento de sus pasos a cabalidad.

En pleno siglo los grandes teatros y escuelas artísticas aplican vigentemente las  técnicas para con sus alumnos, que al momento de entrar en personaje ante una cantidad elevada de personas logran sacar de su interior lo mejor, demostrando al mundo entero que el gran maestro Jaques Lecoq no se equivocó al estudiar y crear unas técnicas que serían importantísimas para la actuación escénica. 

Sanford Meisner o el valor de la improvisación

¿Quien es Sanford Meisner?

Famoso profesor de interpretación actoral, estadounidense, nacido en Brooklyn Nueva York en el 31 de agosto de 1905, con una familia muy consolidada de 4 hermanos, su padre un pelotero reconocido llamado Hermann Meisner y su madre de nombre Bertha Knopfler quien decidió emigrar y formar parte de los judíos llegados a tierras norteamericanas desde Hungría. 

Un acontecimiento relevante en la vida de Sanford Meisner fue el nacimiento de su hermano Jacob Meisner que en un tiempo de viajes decidieron establecerse en las montañas de Catskills donde su apreciado hermano Jacod fue alimentado con leche que no fue pasteurizada teniendo como resultado que éste se enfermara con tuberculosis y posteriormente su fallecimiento. 

Este duro momento marcó la vida de Sanford Meisner quien decidió cerrarse sentimentalmente hacia el exterior y para con sus padres, buscando la manera de como drenar su dolor, encontró refugio en el piano, pero con ese sentimiento negativo hacia sus padres e incapaz de superar o perdonarlos por la muerte de uno de sus hermanos al tomar una decisión muy negativa para la familia. 

Decidió comenzar a estudiar en el Instituto De Música Damrosch que en la actualidad es conocido como el Juilliard School, durante su período de formación logro consolidarse como un concertista de pianos, dando grandes conciertos dejando fascinado a su público sin saber que por medio de las melodías expulsadas por el piano Sanford Meisner drenaba sus tristeza por la muerte de su hermano. 

Y aunque no todo fue color de rosas su padre, el pelotero Hermann Meisner lo obligó a retirarse de lo que era su escape, el conservatorio musical para introducirlo en el mundo laboral en un negocio familia que estaba ganando auge en lo comercial, este muy triste por ser separado del piano, para lograr distraerse de la monotonía laboral en su mente seguía tocando tal instrumento. 

 

Pues eran las melodía lo que le causaban esa tranquilidad para poder seguir con su vida rutinaria y aburrida, era la única y la manera más ventajosa de poder soportar o tolerar el paso de sus días en el negocio familiar, pero Sanford Meisner describe que este ejercicio mental le fue positivo pues logró desarrollar un agudo y muy descriptivo sentido por el sonido del piano. 

Pasaron los años y Sanford Meisner se graduó de la escuela, decidió en contra de la voluntad de su padre, seguir el camino de la actuación, siendo la principal actividad que le gustaba desde su juventud, pues esta decisión y a los 19 años de edad supo que Theatre Guild estaba en búsqueda de adolescentes para una obra planificada. 

Luego de una breve entrevista y pruebas pocos difíciles, logró conseguir un papel en la obra de teatro They Knew What They Wanted que le dio la experiencia clave e importarte para despertar su verdadero sentimiento haciéndole saber su  vocación por el mundo de las tablas.

Su escuela de actuación

 Pasan los años y Sanford Meisner se hace más poderoso en el mundo actoral, llega el 1983 y decide junto a su compañero James Caarville realizar un proyecto que sin saber, sería de renombre y muy popular para la época, crean el The Meisner/Carville School of Acting en Bequia. 

Al saber que sus principales mentores serían estos dos señores, estudiantes de todos los rincones del mundo aprovechaban sus vacaciones para ser partícipes de los cursos que Meisner impartía, su éxito los obligó a crear otra sucursal en California, haciendo a Meisner dividir su tiempo para dedicarse a lo que más amaba enseñar y actuar. 

De estas aulas salieron estudiantes destacados como Sandra Bullock, James Cann, Diane Keaton, Manu Tupou, Sydney Pollack entre otros, quienes llevan en su profesionalismo actoral el sello Meisner que los cataloga como actores de vocación y calidad.

La técnica meisner

Pasado por todo el proceso de formación teatral, por la creación de su academia en compañía de uno de sus mejores amigos, el vivir en carne propia lo que realmente es actuar y lo que necesita un verdadero actor para llegar a ser grande. 

Sanford Meisner crea una hipótesis a seguir que describe una serie de técnicas que cada persona neófita en el mundo actoral debe tener en cuenta para sacarle mejor provecho y hacer de una escena pura de gran calidad.

La técnica Meisner es considerada como el proceso sistemático más efectivo que grandes actores, escritores, directores y maestros usan para el desarrollo y el desenvolvimiento de la comunicación entre actores. 

Se conocen a estas técnicas como una serie de pasos a seguir bien planificados y pensados que le permiten a la persona eliminar la sobre actuación y hacer de ella más natural, creíble y realista al momento de la acción actoral. 

Un actor neófito que estudia las técnicas, encuentra en estas una base para entender como eliminar la sobre actuación y le da pie a construir una actuación completamente efectiva. 

Por otra parte los actores de trayectoria que ya conocen tan populares técnicas, les otorga la percepción del aquí y ahora para mejorar o pulir lo adquirido de la experiencia, también les enseña las mañas o costumbres propias de la actuación con el mayor beneficio de corregir obligatoriamente lo anormal y poder solventar una situación rápidamente que se encuentre fuera de lugar mientras se actúa. 

Al ser una serie de ejercicios diseñados para el desarrollo y afinamiento del principal motor de actor, permite consolidar en este y adherir su personalidad las buenas costumbres que al actuar permiten arrojar toda la esencia de un gran papel protagónico. 

 Consta de cinco elementos básicos, el impulso, el escuchar, la atención frente a la concentración, la insignificancia de la palabra y la construcción desde uno mismo. 

Cada uno de estos elementos son los que componen las famosas técnicas de Sanford Meisner que al seguir una por una, permiten la creación y consolidación de actores con una gran calidad cuando se encuentran en personaje. 

Estas técnicas para ser aplicadas primero de debe tener la vocación necesaria que Sanford Meisner considera el paso más importante del proceso, luego tener las ganas de aprender al máximo lo expuesto y luego irse a la aplicación rigurosa, una por una, sirven de filtro para purificar lo dañino y adherir lo positivo, técnicas aplicadas hoy día que eternizan a Sanford Meisner como el grande actoral. 

¿Quién es Peter Brook?

¿Quien es Peter Brook?

Actor, dramaturgo y director de teatro de fama internacional, que también ha trabajado con notable éxito en cine y televisión. Licenciado en Artes por la prestigiosa universidad de Oxford, su primera vocación le conduce muy claramente a las artes escénicas y al teatro.

 

 

Algunos datos sobre Peter Brook

“El teatro es un enlace con el mundo externo, las condiciones que ocurren en el mundo son miradas a través del teatro, el teatro nos trae la vida verdadera, real a escena, a través de los actores nos enseñan el mundo, el público puede ser conmovido por dichas condiciones, el teatro trata de hacer cercano lo distante”

 Así ve al arte de las tablas el conocido interprete Peter Stephen Paul Brook, nacido el 21 de marzo de 1925 en Londres, quien es un famoso director de teatro, cine, y opera, es uno de los directores más impresionantes y que más a traído influencia al teatro. Es hijo de rusos-judíos quienes emigraron a Inglaterra llamados Simón Brook e Ida (Jansen).

 Fue educado en la escuela Gresham, y en la Universidad De Oxford, donde obtuvo su graduación en artes, inclinándose prontamente por el teatro.

 Debutó como director en 1945 cuando tenía solo 20 años, en Birmingham Rep, después que Barry Jackson lo descubriera.

 Dirigió su primera producción; Doctor Fausto, en 1943 en el teatro La Antorcha de Londres,  después fue seguido por el teatro Chanticleer  en 1945 con el renacimiento de La Máquina Infernal

 Fue a Straford-Upon.Avon en 1947donde desempeño el cargo de ayudante de dirección en Romeo y Julieta, y Trabajos de amor perdidos.

 Entre los años 1947 y 1959 fue director de producciones de la Royal Opera House, Covent Garden.

 En la década de los 50 fue director y productor de cine en muchas producciones en Europa y Estados Unidos.

 Se casó con Natasha Parry con quien tiene una hija. Más tarde en 1962 regresa a Straford-Upon-Avon donde se anexa a la nueva Royal Shakespeare Company (RSC), allí dirige una gran cantidad de obras de teatro.

 

“Puedo agarrar cualquier sitio vacío y llamarlo escenario desvestido, lo único que se necesita, es alguien que camine en este espacio y otro que lo observe para que sea llamado acto teatral” 

 “Si es cierto que un buen teatro depende de un buen espectador, entonces todo público tiene el teatro que merece. Sin embargo, debe muy ser difícil para los espectadores que les hablen de responsabilidad de un público”.

Peter Brook

¿Quién fue Stella Adler?

Biografía de Stella Adler

 Stella Adler, quien nació el 10 de Febrero en el año de 1901 perteneció a una familia de actores y actrices y fue una pieza clave del teatro yiddish, el cual está fuertemente influenciado por las formas artísticas del mundo cristiano: trovadores, malabaristas, y comediantes.
Stella Adler fue hija de la pareja de actores de tragedias yiddish Sara y Jacob Adler, quienes formaron la Independent Yiddish Art Company, que fue la principal organización responsable en promover el teatro yiddish en Estados Unidos, Stella debutó en las tablas a los cuatro años de edad en una obra producida por su padre Jacob Adler, nunca obtuvo una educación formal en actuación pero aprendió siendo educada por sus padres y observando a otros actores.
Se casó por primera vez con Horace Eliaschef, padre de su única hija Ellen.
Su segundo matrimonio fue con Harold Clurman, quien la ayudo a fundar el Group Theatre; Duraron entre 1943 y 1960. La última vez que contrajo nupcias fue con el famoso físico y escritor Mitchell A. Wilson, quien falleció en 1973. Antes de convertirse en escritor, Wilson fue un científico investigador (durante un tiempo como asistente de Enrico Fermi) e instructor de física a nivel universitario. La ciencia, la invención y los problemas éticos de la ciencia atómica moderna son los temas de algunas de sus obras. También escribió no ficción sobre asuntos científicos para el lector general. En el apogeo de la Guerra Fría, se lo consideraba un importante novelista en la Unión Soviética, mientras que en su país natal, Estados Unidos, su reputación era considerablemente menos elevada que en Europa.

 La actriz sufrió un fallo cardiaco en 1992, que la llevo a la muerte, siendo enterrada en el Mount Carmel Cemetery De Glendale, Nueva York.

Vida profesional de Stella Adler

 Stella también fue profesora y fundó el Conservatorio de Actuación Stella Adler en Nueva York. (1949), dio clases a artistas en la técnica de actuación conocida como «método», la cual combina el trabajo sobre el papel, haciendo énfasis en la investigación y experimentación del personaje en su vida, y el trabajo sobre el mismo actor, es decir, según palabras de la misma Adler “Define la diferencia entre tu ser y el personaje, descubre toda lo justificable para las acciones del personaje, y después sigue desde ahí para actuar desde ti mismo, no pienses dónde acaba tu acción personal y comienza la del personaje”.
Hizo su debut internacional en Londres en el año de 1919, allí vivió durante un año. Cuando regresó a New York interpretó papales principales y actuó en el vodevil.
En una gira por Europa y América Del Sur fue directora de una compañía de repertorios. Realizó más de cien papeles entre 1927 y 1931.

 En 1931 ingresó al innovador Group Theatre, donde los actores eran entrenados en el “método de actuación” de Stanislavsky, que se basa en la idea que un actor utiliza su memoria afectiva y memorias personales para reflejar la emoción que desean proyectar, Poco después; en 1934 Adler estudio con el mismísimo Konstantin Stanislavsky, logrando adaptar sus principios, que eran demasiados rígidos, sin embargo al volver con el Group Theatre, enseñaba que recurrir solamente a la experiencia personal sería algo muy limitado, y que los interpretes debían recurrir a su imaginación, fue la única alumna norteamericana de Stanislavsky. A principios de los años 40, entró en la New School For Social Research, donde dictó clases de actuación, donde fundó el Stella Adler Theatre Studio, que luego cambiaría su nombre a Stella Adler Conservatory Of Acting, mientras la dirigía, enseñaba drama en la Universidad de Yale durante entre 1966 y 1967, en los 80 dirigió el departamento de drama un la Universidad De New York.

Adler siguió actuando hasta 1961.

 Stella Adler también tuvo su incursión en el cine, ya que fue productora asociada en MGM a principios de la década de los 40, trabajó en tres películasLove on Toast (1937), Shadow of the Thin Man(1941), y My Girl Tisa (1948).y poco después dirigió el teatro comercial en New York entre las décadas 40-50, incluso escribió un libro llamado “Tecnique Of Acting” publicado en 1988.

Los centros de estudio de Stella Adler

En los Angeles y New York aun sigue funcionando El Centro De Estudios Adler, su técnica basada en la imaginación del actor, ha sido estudiada por luminarias como Martin Sheen, Robert De Niro, Vincent D’Onofrio, Roy Sheider, Warren Beatty, Benicio Del Toro, y el actualmente de moda debido a su interpretación del personaje de los comics Hulk y el Doctor Banner; Mark Ruffalo, además de Marlon Brando, quien fue presidente de honor del centro de estudios hasta su fallecimiento, Adler fue la primera profesora de interpretación de Brando quien fue presentada por su hermana, Jocelyn Brando, quien estudiaba drama con ella, Adler ha dejado un legado que continua gracias al trabajo del Stella Adler Studio Of Acting. En 1969, se convirtió en la primera escuela de formación profesional en afiliarse a la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York. El estudio se convirtió en una organización sin fines de lucro en el 2000. La misión del Stella Adler Studio of Acting es crear un entorno con el propósito de alimentar a artistas teatrales que valoran a la humanidad, a los suyos ya los demás, como su primera y más preciada prioridad al proporcionar arte y educación a la comunidad en general.

 
El Estudio Stella Adler de la sucursal oficial de la costa oeste de la ciudad de Nueva York es Art of Acting Studio Los Angeles, que lleva el nombre del libro más famoso de Stella Adler. El Estudio de Actuación Stella Adler no está afiliado a la Academia Stella Adler en Los Ángeles.

Lee Strasberg: Talento y polémica del siglo XXI

Primeros años de Strasberg

En 1909 su familia emigró a Estados Unidos de América, cuando sumaba la temprana edad de ocho años de niñez, después de tanto probar fortuna en varios empleos, Strasberg hizo sus primeros papeles en colectivos independientes de teatro político. En 1925 comienza su carrera de actor y director en el Theatre Guild al que abandonó para fundar su propia compañía, el Teathre Group, el cual también terminó contando con figuras de renombre como Stella Adler, Peter Brook, Uta Hagen, Dono Mar, entre otras luminarias artísticas reconocidas.

Strasberg logró contactar con antiguos artistas del Teatro De Arte De Moscú residenciados en Estados Unidos después de la diseminación de este afamado colectivo fundado en Octubre de 1898 Por Konstantin Stanislavski, puesto que la explosión de la revolución rusa en 1917 hizo que se separaran los integrantes de la compañía y algunos artistas sobrevivientes como Richard Boleslavsky y María Ouspenskaya, pensaron que era mejor quedarse en Estados Unidos que en su patria.

  Lee Strasberg murió en  New York en 1982, dejando de esta manera una perfección a lo que ya había hecho Stanislavsky en su método, dándole mayor naturalidad, y un ejército de actores que incluso alcanzó Hollywood al ser alumnos de su sistema de actuación, aclamado por miles, incluso exaltado por más de un ganador de premios afamados como el Oscar o el Tony.

El Group theater

Así fue como el Theater Group se transformó en uno de las causas principales de reunión de los artistas náufragos del Teatro De Arte De Moscú, rápidamente este gran y afamado colectivo se convirtió en el premier heredero del legado de Stanislavsky.

El Theatre Group llevó a los escenarios norteamericanos muchos de los montajes mas controvertidos de los años treinta; Entre ellos House of Connally del 1931, del francés Julien Green; Night over taos del 1932 del estadounidense Maxwell Anderson; Men In White en el 1933, de Sidney Kingsley; y Gentlewoman en el 1934 de Lawson.

Nace el Actor´s Studio

En 1937 Lee Strasberg abandonó la compañía para intentar tener éxito en Hollywood, despues de trabajar en la grandilocuente ciudad y conocer a diversos actores, directores, y guionistas, Strasberg vuelve a New York para asumir un reto, en Broadway, la adaptación de The Big Knife (El Gran Cuchillo de 1948), del dramaturgo de Filadelfia Clifford Odets, la cual cosechó un jugoso éxito,

Con Elia Kazan; Un cineasta de origen turco fundó la que sería la escuela de actuación más prestigiosa del momento, el Actor’s Studio. En sus cursos formó con su original versión del sistema Stanislavski a jóvenes que se convertirían en actores de la talla de Paul Newman, Marlon Brando, Montgomery Clift, Steve McQueen, Dennis Hopper, James Dean, Jane Fonda, Dustin Hofman, Al Pacino, Mickey Rourke, Alec Baldwin o Matt Dillon. Dispersó además las obras de algunos autores de la talla de Tennessee Williams, cuyas obras más famosas fueron puestas sobre las tablas por los actores del Actor’s Studio.

 El Actor Studio no es una academia de actuación, la minuciosa selección de sus miembros es bajo un proceso riguroso por invitación y audición. Varios de los miembros han hecho sus audiciones en muchas ocasiones hasta que al fin logran entrar. Una vez alcanzado el título de miembro vitalicio, el trabajo en el estudio es gratuito y voluntario. Hay trabajo para actores, escritores y directores, en el estudio se labora en escenas que son difíciles de montar en el teatro comercial común y se desenvuelven proyectos de cine y teatro en sesiones comunitarias donde los miembros moderan y critican los trabajos.

El libro de Strasberg "Sueño de pasíon"

Un sueño de Pasión es una obra post mortem de una de las grandes luminarias del teatro del siglo xx, heredero del grandioso y mítico Konstantin Stanislavsky, de forma tanto artística como teórica, estamos hablando del gran Lee Strasberg, quien le dio libertad a lo que ya había creado Stanislavsky, sistema con el que los interpretes aprenden y ensayan su arte;  varios artistas han seguido su legado: Marlon Brando, Paul Newman, James Dean, Martha Esteves De Dahl, Samantha Gill, Marilyn Monroe, Jane Fonda, Eliseth García, Dustin Hoffman, Anne Bancroft, Al Pacino, Sophia Loren, Marco Antonio Paz, entre otros.

 En “Un sueño de la pasiónStrasberg relata el inmenso y largo aprendizaje que lo obligó a desarrollar el sistema; El método utiliza sus experiencias de sus años mozos, una ojeada a las obras de Stalisnavsky el aprendizaje y la exploración, adicional, los descubrimientos actorales, y su interpretación de las técnicas escénicas, ofreciendo a su vez ejercicios para mejorar las habilidades de los estudiantes, dicho libro es un testigo singular que hace estremecer a todos los interesados en el trabajo creativo y a la vez vibrar sobre sus acciones sobre la puesta en escena y a la vez dominar sus pasiones sobre el escenario y de qué manera puede expresar sus verdaderos sentimientos sobre el escenario. El actor Walter Houston se plantea el siguiente interrogante; “¿Cómo es permisible que el actor crea que logró una caracterización real y dinámica mientras los críticos piensan exactamente lo contrario?”. Esa interrogante se la hizo después del estruendoso fracaso de un estreno de Otelo en Broadway, y a su vez Strasberg plantea las siguientes preguntas buscando una solución al actor: ¿Cómo puedo sentir profundamente un rol?

El innovador “Teatro Pobre” De Jerzy Grotowski.

Biografía de Jerzy Grotowski

Fue un famoso director de teatro muy reconocido con grandes influencias en otros actores y directores contemporáneos en su época quienes quedaron encantados del manejo teatral que Grotowski hacía para con su personal, su experiencia, su amor y dedicación por el mundo actoral lo que hizo consolidar su fama por el teatro a nivel mundial. 

De signo zodiacal Leo, gracias a su nacimiento el 13 de agosto de 1933 polaco de sangre y oriundo de Rzeszow, una ciudad ubicada al sureste de Polonia caracterizada en aquellos tiempo como en la actualidad por tener un imponente y competitivo centro industrial más importante de la región.  

Nacido de padre pintor y escultor de nombre Marion Grotowski enamorado de su madre, una excelente profesora de nombre Emilia, que para aquellos tiempos ese nombre representaba fuerza, vigor, feminidad y amor por el prójimo.

Escenario vacío

Grotowski y su interés por el arte

Como todo niño común y corriente se le imparten estudios para su educación y progreso como un profesional a futuro, pero la vida da un giro inesperado, pues durante un año completo padeció de una gran enfermedad que lo hizo recluirse en el mundo hospitalario para reestablecer su salud. 

Pero ese año fue muy provechoso y valioso, pues sediento de información y curioso por excelencia decidió dedicar todo su tiempo intrahospitalario a leer y estudiar por el mundo de las artes, valoro cautelosamente cuales eran sus aspiraciones y a qué se dedicaría durante toda su vida. 

Sin saber que ese tiempo sería emblemático, decidió por instinto y amor propio dedicarse al mundo artístico, apenas y a los días de dejar el hospital, con su salud volviendo poco a poco paso por un proceso de mudanza a la cuidad de Krakow, en donde inició formalmente sus pasos educativos. 

En el año 1951 ingresó a una de las academias más emblemáticas y prestigiosas, la Escuela Superior de Arte Dramático cuando solo tenía 18 años de edad con una meta fija en su mente, graduarse y convertiré en un director de escenas. 

Gracias a su amor por el arte y durante los períodos de vacaciones que tenía para con la escuela, este aprovecho su tiempo para realizar viajes que enriquecieron su conocimientos como actor de escenas e incentivó el famoso ‘’Teatro de los pobres’’ Que se basaba en escenas sin una producción especifica ni montajes de paisajes, solo los actores, él y un mundo desconocido por actuar. 

Es así como este gran personaje nacido en Polonia con sangre artística y una dura prueba que la vida le puso en su paso para con su salud, se interesó en el mundo artístico, y que hoy día es reconocido y tomado como referencia por quieren desean seguir sus pasos y lograr alcanzar la excelencia que este gran señor tuvo en sus años dorados. 

Otros escenarios de su vida

Una cuidad especifica en el suroeste de Polonia que limita con el ría Oder decorada con hermosas colinas, fue elegida por Jerzy Grotowski para establecerse e inaugurar en el año 1965  su primer laboratorio teatral en donde enseño y modifico grandes obras según su conveniencia y modernismo para hacerlas de gran auge para esos tiempos. 

Solo duró 20 años aquí, 20 años de trayectoria en donde pulió y se perfecciono para lo que le venía sin saberlo, un exilio, y es que en el año 1985 decidió instalarse en Italia específicamente en Pontedera que es una comunidad en la provincia de Pisa en donde se tiene la confluencia estratégica del riso Era con el Arno.

Este exilio fue el punto de partida en conjunto con un grupo pequeño de actores y actrices para darse a conocer aún más, actuando, dirigiendo y modificando ciertas obras expuestas y presentadas en esta zona durante un periodo de tiempo provechoso para todo su grupo. 

Jerzy Grotowski tenía esa gran ventaja de poder modificar grandes obras a su conveniencia y poder crear hasta dos y tres versiones de la misma, como por ejemplo en el caso de la obra Akropolis escrita por Stanislaw Wypianski la modifico y perfeccionó creando dos versiones un poco diferentes pero de gran impacto cuando fueron presentadas al público en general. 

Y así con otras obras como Apocalypsis que también pasó por sus manos y su increíble genio para ofrecer y exponer tres versiones diferentes provenientes de las mismas letras y tramas, su capacidad para modificar y mejorar era asombrosa y estas dos obras de las muchas, son un pequeño ejemplo de lo que la mente de este hombre podía hacer gracias a su amor y dedicación al arte. 

¿Desaparece el Teatro Laboratorio?

Tomando en cuenta su gran auge para su tiempo en el año 1976 decide finalizar con su teatro laboratorio en donde enseñó a los verdaderos amantes del arte y la actuación a como ser mejores cada día más, pero aunque se dio fin para este año Jerzy Grotowski prosiguió con las enseñanzas experimentales de la actuación en diversos lugares en donde fue solicitado por sus seguidores y admiradores.

Obras

Dirigió grandes obras durante los años 60, entre ellas Sakuntala estrenada en el 1960 seguida de Caín, por otra parte en el año 1961 y 1962 salió al público Los antepasados de Eva y Kordian, seguido de Akropolis en 1964 y El Príncipe Constante en el año 1965 para finalizar en el 1969 con Apocalipsis Cum Finguris como su principal creación propia.  

Adios a su vida

A la edad de 66 años con una inmensa travesía artística entre obras, alumnos y modificaciones teatrales, con un repertorio artístico envidiable e intachable que es usado por sus seguidores y ganado el respeto e identidad patriótica de toda Polonia como uno de sus grandes actores y maestro literario. 

Muere el grandísimo Jerzy Grotowski a quien se le realizo grandes homenajes en obras y presentaciones de guiones escritos por su puño y letra, hoy día su identidad artística sigue vigente, sus estatuas recorren el mundo entero para hacerles saber a las nuevas generaciones que de Polonia nació uno de los directores más emblemáticos, preparados y con una carrera artística y profesional intachable como la de Jerzy Grotowski. 

Constantin S. Stanislavski

Konstantin Stanislavski (Constantin Stanislavsky), Una figura que cambió el mundo teatral.

 

  Konstantin Stanislavski fue un afamado director y productor ruso de teatro quien perfeccionó una la técnica de interpretación naturalista llamada “Método Stanislavski” o “método De Actuación”.

Primeros años de Stanislavski

 Konstantin Sergevevich Alekseyen nació en la ciudad rusa de Moscú, en el mes de Enero del año 1863, las fuentes no ofrecen una información fidedigna sobre el dia de su nacimiento, ya que es variable y contradictoria.

 Comenzó a hacer teatro durante su adolescencia, a los catorce años, convirtiéndose en un muy famoso actor y director de producciones teatrales. Fue uno de quienes fundó El Teatro De Arte De Moscú en 1897 y desarrolló su bastamente conocido método de actuación Stanislavski, el cual es un proceso de interpretación en el cual los actores utilizan sus historias personales para expresar sentimientos y emociones reales y de esta forma crear personajes enriquecidos, siempre evolucionando con sus teorías murió en Moscu en el año de 1938.

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VIDA PROFESIONAL

Constantin Stanislavski fue un actor y director de teatro ruso que desarrolló la técnica de interpretación naturalista conocida como el «método Stanislavsky«, o método de actuación. Constantin Stanislavski, nacido en 1863 en Moscú, Rusia, comenzó a trabajar en el teatro cuando apenas era un adolescente, uniéndose al círculo dramático de su familia, donde evolucionó enormemente sus habilidades teatrales, trabajando con otros grupos de intérpretes mientras trabajaba en el negocio de fabricación de su clan, se convirtió en un aclamado actor y director de producciones teatrales. Fue cofundador del Teatro de Arte de Moscú en 1897 y desarrolló un proceso de interpretación conocido como método de actuación, que permite a los actores usar sus historias personales para expresar emociones auténticas y crear personajes ricos. Afinando continuamente sus teorías a lo largo de su carrera, murió en Moscú en 1938.

 En 1885 tomó “robado” el nombre de Stanislavski de un colega del mundo de la actuación, para usarlo como pseudónimo en las tablas. Después de tres años contrajo nupcias con la profesora María Perevoshchikova quien se uniría a Konstantin en el estudio y exploración del arte dramático.

Stanislavski fundó la Sociedad De Arte y Literatura en 1888, donde dirigió y realizó producciones por una década. En Junio de 1897, junto Vladimir Nemirovich-Danchenko quien era un importante dramaturgo y director teatral, abrieron el Teatro De Arte De Moscú, una alternativa a la estética teatral estereotipada de aquel entonces.

 En Octubre de 1898 abre sus puertas la compañía teatral, con el zar Fyodor Ivanovich de Aleksey K. Tolstoy. Luego se hizo la producción de The Seagull que fue un gran y exitoso logro histórico, y le encendió la llama a la carrera el escritor Anton Chekhav, quien realizó artesanías para la compañía.

 El Teatro De Arte De Moscú desarrolló una inmensa fama nacional e internacional, con obras estelares como The Petty Borgeois, Un enemigo Del Pueblo, y El pájaro Azul.

 Konstantin fue co-director de producciones junto a Nemirovich-Danchenko, y poseyendo papeles impactantes en varios trabajos, como The Cherry Orchard y The Lower Depths. En 1910, tomó un descanso durante un año saliendo hacia Italia, allí estudió las actuaciones de Eleanora Duse y Tomasso Salvini, su desempeño lo hacía sentir libre y natural, en contraste con los propios esfuerzos de Stanislavski, dando mucha inspiración a sus teorías interpretativas.

Creó The First Studio en 1912, un lugar de ensayo y entrenamiento para jóvenes. Diez años después dirigió una ópera de Pyotr Ilyich Tchaicovsky

Su éxito internacional a principios de 1900 está ligado al aumento de la popularidad de Anton Chekhov como dramaturgo. Chekhov, que ya es un narrador de historias muy querido, saltó a niveles más altos de fama con sus dramas cómicos únicos, The Seagull, Uncle Vanya y The Cherry Orchard. Cada producción de las principales obras de Chéjov fue supervisada por Stanislavsky, quien se dio cuenta desde el principio de que los personajes de Chéjov no podían ser efectivamente traídos a la vida en el escenario por medios tradicionales. Stanislavsky sintió que las mejores actuaciones eran las más naturales y realistas. Por lo tanto, su método se desarrolló, revolucionando las técnicas de actuación en toda Europa y, finalmente, en el mundo. 

 Konstantin Stanislavski (Su nombre de pila también es escrito como “Constantin o Contantine”) muere el 7 de Agosto del año de1938, dejando un legado increíble al mundo de la actuación y el teatro, así como un método revolucionario de actuación.

El método Stanislavski

Aunque muy complejo, uno de los objetivos básicos del «Sistema Stanislavski» era representar a personas naturales y creíbles en el escenario. Esta noción fue un sorprendente contraste con los protagonistas de la Rusia del siglo XIX. La mayoría de los actores de esa época hablaron en tono grandioso e hicieron gestos de manera exagerada, gestos poco creíbles, que de por si en el teatro, donde se debe hablar con voz alta para poder ser escuchado por toda la audiencia, hacia ver al actor como un ser poco creíble, sobreactuado.
Stanislavsky (también deletreado «Konstantine Stanislavski«) ayudó a cambiar mucho de eso. En muchos sentidos, Stanislavsky es el padre del estilo actual de la actuación de métodos, un proceso en el que los actores se sumergen en sus personajes tanto como sea posible.


Stanislavsky no quería que sus actores simplemente crearan un facsímil de una emoción. Quería que sus actores realmente sintieran la emoción. Entonces, si una escena requería un dolor extremo, los actores debían ponerse en la mentalidad de la situación del personaje para que experimentaran genuinamente los sentimientos de tristeza intensa. (Lo mismo ocurre con todas las demás emociones). A veces, por supuesto, la escena es tan dramática y el personaje es tan humano que estas emociones intensas son naturales para el actor. Sin embargo, para los actores que no pueden conectarse con el estado emocional del personaje, Stanislavsky aconsejó a los artistas que exploren sus recuerdos personales y aprovechen experiencias de vida similares.

Hollywood herededor de Stanislavski

El teatro de Moscú de Stanislavsky que prosperó durante los días de la Unión Soviética, e incluso continúa hoy. Su método de actuación ha influido en muchos otros profesores de drama de renombre, entre ellos:

  • Stella Adler
  • Lee Strasberg
  • Uta Hagen

 

Stella Adler y su técnica

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